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Civil]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1571049184EXPOSICIÓN “EL EXILIO VASCO TRAS LA GUERRA CIVIL”

 

La exposición muestra testimonios de personas exiliadas en formato audiovisual, un documental con imágenes históricas de la época de la guerra y la postguerra y paneles con fotografías históricas mostrando las diferentes fases del exilio vasco.

La exposición “El exilio vasco tras la Guerra Civil” coincide con el 80 aniversario del exilio definitivo tras la guerra que se conmemora este año y se muestra con el objetivo de divulgar el conocimiento sobre las diferentes salidas al exilio provocadas por la guerra. Se calcula que 100.000 personas salieron al exilio entre 1936 y 1937, de las cuales 30.000 eran niños y niñas, y de los 500.000, que salieron en la “Retirada” desde Cataluña a Francia en 1939, se estima que más 10.000 personas eran vascas. Desde Francia, se estima que fueron unos pocos cientos los que atravesaron el Atlántico, en algunos casos, para siempre. Esta exposición permite conocer y recordar el exilio vasco y supone una oportunidad para acercarse a la situación de todas las personas que actualmente huyen también de la guerra.

Contenido de la exposición

Un documental realizado por Gogora compuesto por imágenes históricas apenas conocidas para el público general, da comienzo a la exposición. En él se recorre desde el inicio de la Guerra Civil en 1936 hasta la muerte del Lehendakari Jose Antonio Agirre en 1960. Una segunda pieza audiovisual recoge los testimonios de personas que tuvieron que exiliarse con motivo de la guerra, en diferentes momentos de la misma. Se trata de testimonios recogidos por Gogora en 2018 y 2019, a niños y niñas que fueron evacuados antes de la caída de Bilbao y personas que primero se exiliaron en Francia y posteriormente en Venezuela.

Por otra parte, la muestra incluye también fotografías históricas, una treintena en total y documentación histórica en el que se exponen las diferentes fases de la salida al exilio. Esta parte está comisariada por Josu Chueca, profesor del Departamento de Historia Contemporánea de la UPV-EHU e Iñaki Goiogana, historiador de la Fundación Sabino Arana.

Esta parte de la exposición permite recorrer las diferentes fases del exilio que comienzan nada más empezar la guerra civil; la primera desde Gipuzkoa hacia Bizkaia y Lapurdi; a partir de 1939, una vez que Cataluña queda en manos del bando sublevado, la exposición recoge el exilio a Francia, la acogida brindada a los refugiados, la salida definitiva a otros países y el papel del Gobierno Vasco en el exilio.

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Oct 14 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[Elogios a Xalbador]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1567440707El objetivo de esta exposición, además de recordar la figura de Ferdinand Aire Etxart, Xalbador, es la de mostrar su trayectoria vital a través de imágenes.

Mediante las fotografías nos acercaremos al universo de Xalbador, y para ello, la exposición abarca varios campos. La primera sección muestra imágenes de su familia, amigos y de su entorno. La segunda, se centra en el mundo del bersolarismo, y Xalbador aparece sólo o acompañado, de plaza en plaza o participando en distintos campeonatos. La tercera sección está dedicada al homenaje que se le organizó el 7 de noviembre de 1976 en su pueblo natal “Goresmenak Xalbadorri (Elogios a Xalbador)”, y de ahí recibe el título, precisamente, esta exposición.

Como era habitual, el apodo “Xalbador”, le viene de su caserío. Nació en Urepel en 1920, y, ahí mismo falleció en 1976, después de sentirse indispuesto en el acto organizado en su honor. Su casa natal le dio vida y nombre.

 

También conocido como el pastor de Urepel, ni que decir tiene que surgió en un ambiente plenamente euskaldun, y que de ahí le venía la afición al bersolarismo. Cantó su primer bertso a los 16 años, en respuesta a los que cantaban en una posada. Pero, al parecer, la desvergüenza de aquel muchacho mocoso les pareció mal: “arremetieron contra mí, como perros”.

En tiempos en que se estaba fortaleciendo el bersolarismo, Xalbador, creció al lado de figuras como Basarri y Uztapide, teniendo como fiel compañero a su amigo Mattin. Esta pareja participó en numerosas actuaciones en todo el País Vasco, fortaleciendo el bersolarismo en Iparralde y dándolo a conocer por todo el país.

En último término, los bertsos de Xalbador han sido modélicos por muchas razones: por la habilidad para elegir las palabras, por su lirismo, por su pericia a la hora de tratar los temas tanto universales como los sentimientos, o por su capacidad para crear metáforas.

A esto hay que añadir su aportación con la publicación de varios libros: Ezin bertzean, Herri gogoan o Odolaren mintzoa, esta última se considera una obra cumbre.  

Resumiendo, los visitantes se podrán acercar a la figura de Xalbador a través de las fotografías y demás elementos documentales.

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Sep 02 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[DÍA INTERNACIONAL DE LA FOTOGRAFÍA]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/actividades/actividad.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nactivid=1565796222

DÍA INTERNACIONAL DE LA FOTOGRAFÍA

Anualmente, el 19 de agosto, el Photomuseum de Zarautz organiza el Día Internacional de la Fotografía, para conmemorar la presentación en 1839 del primer procedimiento fotográfico, el daguerrotipo, ante las Academias de Ciencias y de Bellas Artes de París. Así, desde el primer momento se dejó constancia del valor testimonial y artístico del nuevo invento.

Pronto la sociedad se percató de las prestaciones y del potencial que tenía el descubrimiento de Nicéphore Niépce y Louis-Jacques-Mandé Daguerre. Posteriormente las distintas mejoras técnicas acentuaron el desarrollo de este invento. Sus aplicaciones en el terreno de la ciencia y de las artes son muchas y notorias.

En este sentido, es necesario subrayar que numerosos artistas plásticos han recurrido tanto a la fotografía como al cine con un espíritu innovador y experimental.

El programa de esta conmemoración constará de un aurresku, una ofrenda floral ante el monumento a Daguerre y la actuación de un bertsolari.

A continuación se proyectará uno de los capítulos de la Guerra filmada que la edición de TVE titula “Campos de batalla y políticas de retaguardia”.

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Aug 14 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[JULIÁN REDONDO- Custom. Sentimiento de libertad]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1563285606Harleys

Pocas marcas en el mundo tienen tanto reconocimiento dentro de su sector como lo tiene Harley-Davidson en la industria de las motocicletas. Hoy se distinguen por su estilo clásico, por el inconfundible rugir de sus motores y la evocación de las aventuras en la carretera, que se han convertido casi en una cultura que atrae a millones de fieles seguidores y entusiastas en todo el mundo. La expresión y creatividad personal son características de la cultura Harley-Davidson. Los primeros aficionados comenzaron a personalizar sus motos a comienzos del siglo XX y este movimiento de customización individual que conocemos hoy, comenzaría después de la Segunda Guerra Mundial.  A partir de las motos más sencillas hasta las prendas elegidas, son los documentos recogidos por la cámara de Julián Redondo mostrando a estos inconformistas y sin saberlo su corriente social “yo soy diferente”.

Desde que Hollywood lo convirtiera en un fenómeno cultural, a través de las películas de Los  Ángeles del Infierno que asoció la marca a un grito civilizado de rebeldía y libertad, hoy perdura con los nuevos modelos y los elementos custon más avanzados del mercado.

Alejandro Zugaza

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Jul 16 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[EMILIA VALENCIA - De parte de las cosas sencillas]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1559548729DE PARTE DE LAS COSAS SENCILLAS

 

Un punto de partida para este proyecto lo proporcionan las cosas que hay en mi entorno, las que forman parte de mi, de mi pensamiento, también aquellas  que encuentro, con las que hallo similitudes con mis recuerdos…

Todos los objetos, los que poseemos, los que valoramos o incluso los que detestamos tiene un lugar en  nuestro memoria y ocupan un espacio físico en diversos lugares de nuestras casas.

Todos esos objetos poseen un pasado y se van convirtiendo con el  paso del tiempo en las cosas que nos rodean y que  representan nuestro carácter e incluso nuestra personalidad.

Si  observamos por un instante a esos objetos, esas cosas que conviven a nuestro lado, nos recuerdan al momento su procedencia, el recuerdo de un pasado y la importancia que suscita en nosotros ese objeto-cosa.

Poseen una trayectoria de espacio y tiempo… Vienen de algún lugar, alguien vino y los trajo, o  posiblemente se compró o se encontró o  fue un regalo. Pero siempre van de un lugar a otro, viajan por lugares insospechados y tras ese ir y venir, llegan por fin y se depositan,  allí junto a la ventana, encima de algún mueble, colgados, mezclados entre otros objetos de procedencia incierta…  y ahí en ese lugar elegido, reposan inertes  pero , ellos los objetos o ellas, las cosas,  guardan el secreto de su pasado, con el tiempo se convertirán silenciosamente  en nuestros recuerdos mientras descansan depositados sin mas pretensión que ser recordados y admirados en el tiempo de la memoria.

Otro aspecto importante que da forma a este proyecto es la observación de los objetos, cuando la luz se deposita sobre ellos. En ese momento, el objeto toma vida propia y pierde el contexto en el que se observa.

Es aquí cuando esa huida de la luz entre las cosas, pretende perpetuar el tiempo inerte de un instante.

Independientemente del género o la disciplinas elegidas, pretendo concluir enalteciendo y otorgando valía a las cosas insignificantes que nos rodean.

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Jun 03 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[PEDRO ZARRABEITIA. In Memoriam]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1555323630PEDRO ZARRABIETIA MIÑAUR

Bilbao, 1939-2018

 

Con la presentación de esta exposición queremos rendir un pequeño homenaje al fotógrafo vizcaíno Pedro Zarrabetia.

Su trayectoria fotográfica comenzó en el Vizcaya-Club de Cine-Foto de Bilbao hacia 1969. Con otros fotógrafos y amigos fue fundador de Irudi Taldea de Getxo, grupo dinamizador de la fotografía vasca en los años 80, siendo su presidente durante varios años.

De su amplia trayectoria cabe destacar que fue el primer fotógrafo en exponer en el Museo de Bellas Artes de Bilbao en 1980, del que posteriormente fue asesor. Recibió numerosos galardones tanto nacionales como internacionales. Mostró sus trabajos en múltiples centros y su obra está representada en instituciones como: Museo de Bellas Artes de Bilbao, Museo Histórico Vasco, Museo San Telmo de San Sebastián, Photomuseum, Museo de Lugo y colecciones particulares.

Si por algo se caracteriza la obra de Pedro Zarrabeitia es por su interés por el color, la etnografía y el tratamiento de las imágenes por medio procedimientos químicos, plásticos y digitales.

Esta muestra es un claro reflejo de las inquietudes fotográficas de Pedro Zarrabeitia.

BILBAO

Esta colección fue realizada entre los años 2000 y 2005 en recuerdo del desarrollo arquitectónico de Bilbao a mediados del siglo XX, cuando los edificios de corte racionalista que aquí aparecen dieron forma al Ensanche de la ciudad. Las fotografías son en blanco y negro en consonancia con la atmósfera y las técnicas fotográficas de aquellos tiempos y envuelven la belleza fría de los edificios en un cierto aire de dramatismo y nostalgia. Las casas se ven aisladas, como lo estuvieron en un principio, cuando emergían en solitario rellenando muchas de ellas las esquinas de un trazado previamente planificado.

 Las nuevas viviendas de hormigón y ladrillo de esos años estaban lejos del estilo neo-vasco de los primeros edificios del Ensanche, tenían más pisos y altura que lo que Bilbao acostumbraba y los tejados inclinados y aleros dejaron paso a los remates con terrazas y torres, chaflanes en curva y escasez de adornos. No fueron bien vistas por el punto de vista estético de los bilbaínos.

 

LOS COLORES DEL PAÍS

Si hay alguna manifestación en que los vascos han lucido colectivamente sus dotes de excelentes combinadores de colores, ha sido en la pintura de sus embarcaciones de pesca. Magnífica cualidad que ha tenido su máxima expresión en nuestros pueblos costeros durante la segunda mitad del siglo pasado y que ha quedado plasmada en los pequeños botes y barcos de pesca de bajura, construidos tradicionalmente de madera y pintados y repintados una y otra vez para protegerlos de los ataques del salitre.

 La denostada globalización –enemiga de ésta y otras muchas sutilezas– se está llevando por delante el pintoresquismo bello de nuestros puertos pesqueros. Los grandes buques-factoría por un lado y las nuevas embarcaciones de acero, fibra y plástico por otro, van arrinconando a los barcos artesanales multicolores y pronto sólo se podrán ver en las vitrinas de los museos etnográficos y en los escaparates de las tiendas de recuerdos náuticos.

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Apr 15 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[PUBLICIDAD KODAK]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1555323209PUBLICIDAD KODAK

Eastman Kodak Company (popularmente conocida como Kodak) era una compañía multinacional dedicada al diseño, producción y comercialización de equipamiento fotográfico. La actual empresa, más humilde, está enfocada al mundo de las artes gráficas.

 Originalmente llamada Eastman Dry Plate Company fue fundada por el inventor George Eastman y el hombre de negocios Henry Strong en 1881. Desde el principio Eastman otorgó gran importancia a la publicidad. Los primeros productos Kodak se anunciaron en periódicos y diarios de gran difusión, con enunciados escritos por el propio Eastman.

Su éxito fue inmediato, y la casa Kodak se convirtió en un referente gracias a sus eslóganes míticos. Cuando Eastman presentó la cámara “Kodak” en 1888, acuñó el eslogan “Presione un botón, nosotros hacemos el resto", y en menos de un año, se convirtió en una frase muy conocida. Tiempo después, el departamento de publicidad estuvo liderado por Lewis Bunnell Jones de 1892 a 1928 y posteriormente por la agencia J. Walter Thomson.

En sus anuncios la vida era una serie de “Momentos Kodak”, estaba llena de imágenes que “podía sacar cualquiera en cualquier lugar y para el disfrute de todos”. Su mensaje aparecería en revistas, periódicos, anuncios y vallas publicitarias teniendo gran aceptación por parte del público.

Con Kodak la fotografía se acercó a las masas, siendo accesible a todos los públicos. Produjo películas en rollo, cámaras de bajo coste, más manejables y portátiles. A todo esto hay que sumar la ventaja que supuso para los aficionados a la fotografía la posibilidad de revelar su negativos a través de las tiendas.

 Al contrario de otras casas fotográficas, Kodak dirigió su publicidad a las mujeres, las encargadas de fijar la memoria familiar. Con ese fin, en 1908 crearon la figura de “chica Kodak”, siempre con su cámara en mano dispuesta a inmortalizar sus vacaciones, viajes, partidos de tenis, celebraciones familiares...

 Este icono de mujer moderna, divertida e independiente perduraría en el tiempo, adaptándose a la moda y a las costumbres.

 Desgraciadamente, a mediados del siglo XX  la “chica Kodak” cayó en desgracia. Aunque seguía apareciendo en la publicidad, en los años 50 y 60 era común que se mostrase en traje de baño, como simple reclamo dirigido ya al público masculino.

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Apr 15 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[AGRUPACIÓ FOTOGRÀFICA DE REUS. Recuperación de un legado]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1555323070AGRUPACIÓ FOTOGRÀFICA DE REUS

Recuperación de un legado

La Agrupació Fotogràfica de Reus (AFR) se fundó por un grupo de fotógrafos aficionados en noviembre de 1961.  Desde su creación ha desarrollado una labor de recuperación del legado fotográfico de Reus, que incluye muchos de los pioneros en este campo de la fotografía catalana.

A través de imágenes de diferentes temáticas y autores diversos, esta muestra ofrece al visitante documentos gráficos de gran valía, tanto por su vertiente artística, como testimonial, histórica o etnográfica.

Entre las tareas de la AFR estaba la de difundir su patrimonio cultural. Para ello ofrecían, cada año, un trabajo sobre un tema local o comarcal. Así, en 1981 realizaron una exposición de unas 100 fotografías y editaron 150 portfolios con 6 fotografías cada uno sobre el Modernismo en Reus (El Modernisme a Reus).

A este primer trabajo le siguieron alrededor de unos treinta, tales como: Les Nostres masies de 1981, Les nostres botigues de 1984, Ermites del Baix Camp i Priorat de 1987, Memòria de Poblet de 1990, Cal Navàs: el paradigma del modernisme burgès de 1998 o Gaudí, un reusense universal de 2002.

Los Portfolios, fueron un elemento innovador de la AFR. Se presentaban en un acto público en Navidad y suponían un importante trabajo de investigación sobre un tema específico, del que se realizaban numerosas fotografías y posteriormente se exponían las obras seleccionadas.

Estos Portfolios o Carpetas, constaron en un primer momento de 6 fotografías, más tarde de 9 y finalmente de 10, firmadas, numeradas y acompañadas de dos artículos, normalmente de un escritor y de un historiador, como por ejemplo el escritor Ramon Amigó y el historiador Pere Angera hicieron los artículos para la carpeta de las masías. Actualmente las carpetas se han dejado de hacer, ya que eran muy costosas por la excelente calidad con que se realizaban.

Con esta exposición el Photomuseum quiere homenajear a la AFR, institución ejemplar y que desempeña una tarea modélica en el mundo de la fotografía.

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Apr 15 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[WONDERS OF NATURE]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1555322949WONDERS OF NATURE

“Es un mundo limitado. No sólo hemos llegado a todas sus esquinas sino que las alcanzamos con facilidad. Y así, hordas de nosotros vamos al encuentro de la naturaleza en los lugares más remotos y la hacemos objeto de consumo. No más espacios vírgenes, ningún lugar para estar con uno mismo o esconderse, no más inmensidad…

Es un efecto no poco importante de la superpoblación y del progreso tecnológico. Incluso los lugares más recónditos, y hasta ahora más inaccesibles, se van convirtiendo en nuestro jardín.

La fotografía, por su carácter fragmentario, todavía puede mostrar paisajes prístinos y sin fin. Pero es todo un truco, un engaño. El lenguaje fotográfico es hábil para prometer realidad y entregar ficción o, incluso, mentira. A este fin, el encuadre, ese elemento tan básico e inherente al medio, es una herramienta muy eficaz.

Este proyecto es un canto a la belleza del medio natural y, a la vez, una elegía por la pérdida de su esencia”.

Cano Erhardt

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Apr 15 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[XXVII JORNADAS FOTOGRÁFICAS 2019]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1555322404

XXVII JORNADAS FOTOGRÁFICAS

2019

           

EXPOSICIONES

PHOTOMUSEUM   ~  San Inazio 11

2019/04/16-2019/06/02

Cano Erhardt ~ Wonders of Nature

Horario: 10-14h. y 17-20h. Martes a Domingo

SANZ ENEA  ~ Nafarroa Kalea 22

2019/04/16-2019/06/02

Agrupació Fotogràfica de Reus ~ Recuperación de un legado

Horario: 18-20h. Todos los días

GALERÍA ZAZPI  ~ Kale Nagusia 21

2019/04/17-2019/05/12

Pedro Zarrabeitia ~ In Memoriam

Domingos y Festivos: 12-14h. y 18-20h. • Laborables: 18-20h.

TORRE LUZEA  ~ Kale Nagusia 28

2019/04/16-2019/05/26

Eastman Kodak Company ~  Publicidad Kodak

Horario: 18-20h. Todos los días

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Apr 15 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[JUAN ANTONIO PALACIOS - La piedra]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1547458256Juan Antonio Palacios

La piedra

 

La piedra

La fotografía, la poesía, el deporte y la tradición, toman forma en “Harria” que es el título de la exposición que el fotógrafo eibarrés Juan Antonio Palacios presenta en el Photomuseum de Zarautz, sobre el levantamiento de piedra, uno de los deportes rurales vascos mas ancestrales.

 En esta exposición, el fotografo profundiza en la estética de este deporte y en el concepto como valores fundamentales.

Aunque la idea germinó hace unos 10 años, el proyecto se ha realizado en los dos últimos años, dando como resultado una exposición fotográ- fica de 42 imágenes en Blan-co y Negro, algunas de ellas de gran formato y que van acompañadas con los textos del poeta Juan Manuel Uría, que nos ayudan a leer mas allá de la propia imagen, a comprender mejor los misterios de este deporte y la relación del harrijasotzaile con la piedra.  Son algunas de las 100 imágenes que se incluyen en el libro que se ha editado con este motivo.

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Jan 14 2019 00:00:00 GMT
<![CDATA[WILLIAM BOISSEL / Le Pays Basque II]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1545045011Le Pays Basque II

El comandante Boissel, creador del Musée Basque de Bayonne, hizo imprimir en París (Librairie des Arts Décoratifs, A. Calavas, editeur) un álbum de 108 láminas fotográficas bajo el título Le Pays Basque. Sites, Arts et Coutumes con un texto introductorio de su mano. Aunque en la portada atribuye los “clichés” a  M.M. Chevojon, lo cierto es que este señor introdujo también algunas fotografías de Photo Aubert (Baiona) y Hélio Faucheux e Fils (Chelles). Esta exposición presenta algunas de estas láminas, de bellísima factura y excelente impresión.

Chevojon

El estudio de fotografía industrial Chevojon, es sin duda una de las empresas más antiguas de Francia en su género. Creada en 1861  tuvo su sede en la calle Cadet 9, de París. Heredera del estudio Delmaet-Durandelle, adquirido en 1886 por Albert Chevojon (1865-1925). Posteriormente en ella trabajaron tres generaciones de la misma familia.

El estudio Chevojon trabajó para muchas empresas de arquitectura, constructoras, industriales, editores de arte, etc.

Marc Aubert

Dibujante de retratos y rincones de Bayonne y fotógrafo profesional nació en Nîmes en 1900. Realizó numerosos retratos a lápiz de personalidades y artistas: Sacha Distel, Pierre Perret, Perchicot y otros; retratos que presentaba en el escaparate de su tienda de fotos.

La ciudad de Bayonne adquirió en el año 2000 un fondo de fotografías de Marc Aubert, actualmente depositadas en la Biblioteca Municipal.

Murió en Bayonne en 1981.

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Dec 17 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[Fotógrafas]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1541505261Fotógrafas

Como en otros muchos aspectos de la vida, sea política, laboral, artística o deportiva, hay que reconocer que la participación y reconocimiento de la trayectoria femenina ha estado relegada, por no decir oculta, a un muy discreto segundo plano. El arte en general y la fotografía en particular han participado de esta anomalía.

A pesar que la participación de la mujer en la fotografía se remonta a los orígenes del proceso, muchas de estas pioneras quedaron escondidas tras la figura de sus maridos fotógrafos. Sin temor a equivocarnos, podemos afirmar que este fenómeno se dio de forma generalizada en toda la geografía.

Actualmente, de manera creciente están viendo la luz trabajos sobre historia de la fotografía donde se va recuperando la aportación de las mujeres fotógrafas. El objetivo de los mismo es abrirse hueco en un mundo copado por hombres. En definitiva, completar la historia de la fotografía.

El Photomuseum al presentar esta exposición con obras realizadas únicamente por fotógrafas, quiere poner en valor su aportación artística. En esta muestra la diversidad de géneros, temas, técnicas y maneras de entender la fotografía es notable.  Fotógrafas, pioneras o actuales, internacionales y nacionales tales como Margaret Cameron, Atsuko Arai, Ouka Leele, Cecilia Andersson, Cristina García Rodero, Pilar Pequeño, Luisa López, Rosa Muñoz, Cristina Zelich, Mª Antonia de la Vega, Mª Eugenia Sancho, Ione Saizar, Mª Angeles Goikoa, Ainara Álvarez de Eulate e Idoia Unzurrunzaga entre otras, crean un caleidoscopio de imágenes, una sugestiva muestra del arte en “femenino”.

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Nov 06 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[Conferencia a cargo de Elisa Querejeta Casares: "Francisco Elósegui Limousin Retratos y paisajes de Gipuzkoa. 1936 ]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/actividades/actividad.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nactivid=1538642824“AULA / GELA” programa
 
Ostiralero Photomuseumek  sustatu eta Zarauzko Udalak babestutako  “Aula / Gela” programaren barruan aktibitate bat antolatzen dugu (hitzaldia edo proiekzioa), arratsaldeko 6etan.
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Oct 04 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[CONFERENCIA "Francisco Elósegui Limousin. Retratos y paisajes de Gipuzkoa. 1936-1957]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/noticias/noticia.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nnoticia=1538642559“AULA / GELA” programa
 
Cada viernes, dentro del programa “Aula / Gela” de difusión cultural promovido por el Photomuseum y patrocinado por el Ayuntamiento de Zarautz se realiza una actividad (conferencia o proyección) a las seis de la tarde.
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Oct 04 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[Francisco Elósegui Limosuin. Retratos y paisajes de Gipuzkoa. 1936-1957]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1538640365Retratos y paisajes de Gipuzkoa. 1936 – 1957
No hace mucho tiempo, viendo una serie de televisión americana, observé algo que se repite una y otra vez en la literatura y el cine. 
Uno de los personajes principales acaba de fallecer y alguien, aún con lágrimas en los ojos, revuelve entre sus papeles y encuentra una fotografía del difunto de cuando era niño. En ese momento la imagen se detiene, y la banda sonora también. El silencio nos señala que se trata de una imagen importante. 
¿Cuántas fotografías nos han legado nuestros familiares? ¿Cuántas tenemos o hemos tenido en casa? ¿Por qué aquella, que es la que está más arrugada, es la que preservamos?
Nos podríamos hacer muchas preguntas sobre ésta y otras muchas cuestiones. Cuestiones que apelan a la estética, al recuerdo, a la memoria, a las herencias y que siguen interrogándonos cada vez que nos encontramos con fotografías anteriores a nuestra generación.
El caso de Francisco Elósegui es un ejemplo a tener en cuenta. 
Durante los años que van de 1936 hasta que falleció, año 1957, se dedicó a fotografiar lo que le era más cercano: la familia y el paisaje, convirtiéndose en el ejemplo de un hombre que disponiendo de tiempo y medios, tenía la sensibilidad  necesaria para hacer buenas fotografías, buscar el encu- adre y la luz adecuada en “ese” motivo, para posteriormente revelarlas y archivarlas con precisión, anotando los datos en un índice o en un pie de foto.
Ambas cosas: sensibilidad e importancia del archivo fotográfico quedan reflejadas en esta exposición en dos apartados diferenciados, que nos permiten valorar la imagen artística por una parte, y la imagen como documento de archivo por otra. 
Y junto a ello, precisión, sensibilidad y estilo, como resumen del quehacer de un fotógrafo aficionado de Tolosa que nos permite acercarnos a los tipos y paisajes de Tolosa y Gipuzkoa en los años que median entre el fin de la guerra civil y el despegue económico de los años 60, reflejo de una fotografía a tener en cuenta en ésta época.
Elisa Querejeta Casares
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Oct 04 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[MARILYN MONROE. FALDAS AL VIENTO]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1534774175MARILYN MONROE: FALDAS AL VIENTO

Una sonrisa misteriosa, una boina revolucionaria, un ventilador inoportuno en la madrugada de la ciudad que nunca duerme. Así nacen los mitos destinados a ser inmortales: Mona Lisa, el Che, Marilyn.

Era la madrugada del 15 de setiembre de 1954. Siguiendo las férreas indicaciones del director Billy Wilder, su jefe de efectos especiales Paul Wurtzel acciona por enésima vez un gigantesco ventilador escondido bajo la rejilla del metro en el 590 de Lexington Avenue, esquina con la calle 52. Son detalles necesarios para conocer el nacimiento de un icono destinado a identificarse con la ciudad de los rascacielos mucho más que la estatua de la Libertad.

Entre los numerosos noctámbulos se ha corrido la voz de que Marilyn Monroe va rodar una escena de su nueva película "The Seven Year Itch" traducida al español como "La tentación vive arriba”. Entre el paciente público, acalorado, sudoroso y harto, el marido de la estrella, Joe di Maggio. Abundan los fotógrafos convocados por la jefa de prensa y en sitio destacado, junto a la que será famosa rejilla del metropolitano, Bernard de Hollywood.

La rubia más deseada del cine, que tras 30 pruebas ha sustituido a su doble Gloria Musolino, vuelve a sonreír ante las cámaras, intenta sujetar la indiscreta falda volandera que ha diseñado para ella William Travilla, mientras confiesa a su pareja Tom Ewell “¿No es delicioso? ¡Qué alivio!”

Uno de los fotógrafos que inmortalizaron la escena fue George S. Zimbell. Al trasladar su domicilio a Montreal en 1971, encontró en una caja un rollo de negativos sin revelar. Sus imágenes confirmaban el mito, el secreto oculto tras las faldas de seda, la fascinación cándida y pícara a la vez del símbolo máximo de la seducción femenina.

Esta imagen fotográfica estaba destinada a perpetuar su recuerdo en pinturas, estatuas, comics, siendo inspiración para campañas publicitarias, parodias y chistes. Dulce, voluptuosa, tierna y perdida Marilyn.

Luis Gasca

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Aug 20 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[Día Internacional de la Fotografía]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/actividades/actividad.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nactivid=1534521194Anualmente, el 19 de agosto, el Photomuseum de Zarautz organiza el Día Internacional de la Fotografía, para conmemorar la presentación en 1839 del primer procedimiento fotográfico, el daguerrotipo, ante las Academias de Ciencias y de Bellas Artes de París. Así, desde el primer momento se dejó constancia del valor testimonial y artístico del nuevo invento.

Pronto la sociedad se percató de las prestaciones y del potencial que tenía el descubrimiento de Nicéphore Niépce y Louis-Jacques-Mandé Daguerre. Posteriormente las distintas mejoras técnicas acentuaron el desarrollo de este invento. Sus aplicaciones en el terreno de la ciencia y de las artes son muchas y notorias.

En este sentido, es necesario subrayar que numerosos artistas plásticos han recurrido tanto a la fotografía como al cine con un espíritu innovador y experimental.

El programa de esta conmemoración constará de un aurresku, una ofrenda floral ante el monumento a Daguerre y la actuación de un bertsolari.

A continuación Miguel Zugaza, actual director del Museo de Bellas Artes de Bilbao impartirá una conferencia bajo el título de “La fotografía y el museo”.

LA FOTOGRAFÍA Y EL MUSEO

La fotografía es prácticamente contemporánea al museo, y, desde su invención en el siglo XIX, ha acompañado a este como principal técnica de reproducción y difusión de sus colecciones. La conferencia repasará esta historia paralela tomando como referencia principal la experiencia reciente del conferenciante al frente del Museo del Prado. Desde el siglo XIX hasta la actualidad el Prado ha sido una institución innovadora en la utilización de la fotografía, tanto desde el punto de vista comercial como desde el científico o el divulgativo. Entre la invención del grafoscopio por Jean Laurent, entre 1882 y1883, y la actual apuesta por la difusión digital a través del proyecto realizado en colaboración con Google Earth, el Museo del Prado en su historia bicentenaria es uno de los mejores ejemplos para entender el museo en la era de la reproducción mecánica.

Miguel Zugaza Miranda (Durango, 1964) es licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido subdirector del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (1993-1995) y director del Museo de Bellas Artes de Bilbao (1995-2001) y del Museo del Prado (2002-2017). Actualmente se encuentra nuevamente al frente del Museo de Bellas Artes de Bilbao

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Aug 17 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[SANDRA GROSS - Familias]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1530544872FAMILIAS

La fotógrafa Sandra Gross presenta en el Photomuseum de Zarautz una exposición de fotografía documental que muestra la diversidad de las familias actuales. Este trabajo se realizó durante un año, en el que mantuvo conversaciones con estas familias de Barcelona y Sant Cugat. Las fotografías fueron tomadas durante estas visitas, y recogen un instante de las mismas.

Este trabajo es la consecuencia de una experiencia personal. Familias habla de amistad, generosidad, del hecho de amar y ser amado y de pertenecer a un núcleo que nos define y posiciona. Es un proyecto sobre el deseo, de ser valientes, de optimismo, de opciones de vida, de libertad y renuncia. El reportaje describe a la familia desde el punto de vista emocional.

La exposición es impactante como conjunto, la fotografía y el texto forman un todo inseparable. La fotografía con una puesta en escena clásica y sencilla, la familia en su entorno, mirando a cámara, congelado un instante de la reunión. A su lado, el pie de foto describe quiénes son los retratados y qué relación existe entre ellos.

No hay ninguna igual, pero no porque cada familia es un mundo, sino porque hoy los núcleos familiares ya no responden al formato clásico de padre, madre e hijos biológicos.

Los esquemas  han cambiado y las combinaciones son múltiples. Los hijos son biológicos, adoptados, en acogida, o fruto de una inseminación. Los padres son pareja, o amigos, u otros familiares, o son sólo uno; y son uno de cada sexo, o del mismo.

Lo único en común entre los retratos es que todos muestran una familia. “Hay una gran diversidad de familias, pero en todos los casos han tenido el deseo de formar un vínculo; todo el mundo busca su manera de pertenecer a un núcleo, de amar y ser amado”. 

El reportaje fotográfico “Familias” se expuso en el Visa off 2016 (Visa pour l'image: International Festival of Photojournalism), se publicó en el periódico Ara y obtuvo el Premio Lux Oro en la categoría Reportaje Documental 2017.

En conclusión, la exposición Familias es un retrato sociológico de la familia en el mundo de hoy.

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Jul 02 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[Carteles de Mayo del 68]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1527238141CARTELES DE MAYO DEL 68
Este año se conmemora el 50 aniversario de lo que coloquialmente se ha llamado Mayo del 68 o Mayo francés. La protesta estudiantil de Mayo del 68 fue inicialmente una expresión contra-cultural y anti-autoritaria; después, cuando se sumaron a ella los trabajadores, adquirió un matiz social y político. Se desarrolló en un contexto cultural y social de ruptura contra el ambiente tradicional y rígido que se generó al final de la 2ª Guerra Mundial.
Los disturbios en Francia se engloban dentro de un contexto mundial de grandes enfrentamientos en la década de los años 60: 1959, Revolución cubana; 1962, Guerra de Argelia; 1964, Guerra de Vietnam: 1967, Revuelta de afro- americanos en EE.UU. Todo esto propició un ambiente generalizado de protestas contra la guerra y el poder establecido en numerosos países, Checoslovaquia (Primavera de Praga), Estados Unidos (protestas contra la guerra de Vietnam), México (asesinatos de la plaza de Tlatelolco). Al mismo tiempo fueron los años en que nacieron diferentes movimientos: el pacifismo, el movimiento hippie, el rock, el feminismo, la liberación sexual, etc.
Uno de los elementos que caracterizó a las revueltas fue la proliferación de carteles propagandísticos. El cartel fue elegido como uno de los medios más eficaces para trasladar a la opinión pública el pensamiento revolucionario del Mayo francés. Se reunía en un trozo de papel la creatividad, el sentido del humor, la ironía y los mensajes que incitaban a la reflexión sobre el sistema y la revuelta. A todo esto se añadía que era masivo, popular y difícil de censurar.
Bajo el lema “Los carteles producidos por Atelier Populaire son armas al servicio de la lucha y son una parte inseparable de la misma” querían difundir la voz de los estudiantes y trabajadores en contra del poder establecido. Los carteles que empapelaron la ciudad contenían tanto consignas ideológicas como mensajes o informaciones claves para la revuelta. Era el método elegido para comunicarse porque consideraban que la televisión, la radio y los periódicos estaban manipulados y sometidos al control del Estado.
Con motivo de esta efeméride, el Photomuseum presenta una amplia selección de carteles originales de Mayo del 68, carteles llenos de mensajes, pero que también destacan por su valor artístico.
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May 25 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[ Alberto Palomera y Kepa Junkera “´Patafísica”]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/actividades/actividad.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nactivid=1518691977AULA/GELA

 Alberto Palomera y Kepa Junkera

“´Patafísica”

 Día 16 de febrero, a las 18:00 horas

Entrada gratuita

 

Dentro del programa Aula/Gela de difusión cultural promovido por el Photomuseum y patrocinado por el Ayuntamiento de Zarautz este viernes, 16 de febrero el artista multidisciplinar Alberto Palomera presentará su libro de artista “eπ´Patafísica”. Los asistentes asimismo podrán disfrutar la exposición temporal del autor titulada “eπ´Patafísica  f:22v7´s12800 [´P]h”.

Igualmente se presentará el CD editado con motivo de esa exposición con la música compuesta por Kepa Junkera: “Suite ´Patafísica´” en 4 movimientos. El acto será presidido por Alberto Palomera y Kepa Junkera.

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Feb 15 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[MODOS DE VER. EN RECUERDO DE JOHN BERGER]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1515410867
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Fotógrafos
Roberto Botija
Ángel Ispizua
José Ronco
Gorka Salmerón Murgiondo
Moncho Trullos
Jesús Mª Zabalza
 
Escritor
Mikel Iriondo
 
Coordinador
Jesus Mari Sarasua
 
IKUSTEKO MODUAK
Argazki orok errealitatearen eta haren errepresentazioaren arteko nahitaezko distantzia ezartzea dakar. Xaloa da pentsatzea –argazkingintza-hastapenetan ohi bezala– unean uneko argazki batek mundua den bezalakoa islatzen duela. Gauzak berez zer diren gorabehera, gure zentzumenek, arrazoiak eta irudimenak baldintzatzen dute gure jakintza-ahalmena. Hortaz, munduarekiko eraikitzen dugun esperientziak etengabe elikatzen du ahalmen hori.
Gure mugek gizaki bihurtzen gaituzte, edo, bestela esanda, gizakiak gara mugatuak garelako. Ez dago jakintza perfekturik, hori absurdua da tautologikoa den heinean, eta, horrenbestez, oztopo eta errakuntzen artean egin behar dugu aurrera argi bila.
Argazkiak ez du ezer kopiatzen, ez du ezer agerian jartzen. Argazki batek hautatu egiten du, eta isolatu; iradoki egiten du bere anbiguotasunetik, eta ikusgarri den hori baliatzen du errealitatea berrasmatzeko. Horixe da haren alderdi sortzailea: aztarna bat erakusten du, errealitatearen arrasto bat, esanahi jakinik ez duena. Eta, hala, erronka egiten dio ikusleari, begien aurrean duena eta haren esperientzia aurrez aurre jartzea eskatzen baitio. Argazkiak instant bat erauzten dio jarraitutasunari, eta anbigotasun-desafio horixe gainditzen saiatzen gara, bi denbora mota aurrez aurre jarrita agertzen baitzaizkigu: argazkiarena eta hura behatzen dugunekoa.
Era berean, argazkigintza egiten duenak bere bidea aurkitu behar du, pentsatu behar du zeren bila dabilen; izan ere, begiek transmititzen dutena garunaren bidez ikusten dugu. Vladimir Nabokovek zioenez, ez dute baso bera ikusten botaniko batek eta ikasgai horretan batere aditua ez den batek. Bigarrenak zuhaitzak baino ez ditu ikusten; lehenak, aldiz, haiek denak bereizi eta izendatzen saiatzen da, ikasteko zenbat daukan onartuta. Begi-bistakoa dirudi.
Hemen ditugun argazkiak botaniko horren begirada bezalakoak dira; argazkigintzan urte luzeko esperientzia duten zenbait argazkilariren emaitza dira, bilaketa sortzaile eta estetiko baten ondorioa.
Sei argazkilariok urte asko eman dituzte kamerarekin lanean, eta besteren argazki ugari baliatu dituzte nor bere bidea ikusten hasi den arte. Lantegi hori gaur egun ia utzita dago, teknologiak ordezkatu baititu, kasu askotan, sorkuntza-ahalegina eta lana. Milioika argazki ateratzen dira egunero, gero eta argazki-kamera sofistikatuagoak erabiltzen dira, eta sare sozialak eta plataformak, baina horren guztiaren emaitza kontsumoari eta frenesiari lotutako banalizazioa baino ez da.
John Berger maisuaren hitzetan, argazki oro giza hautu bat da, argazkilariak egoera jakin batean egiten duen hautua, hark erabakitzen baitu dena delako hura argazki batean erregistratzea merezi duela.
Gogoeta hori hutsala eta begi-bistakoa ematen du. Alabaina, halako definizo sinple batek, itxuraz hausnarketa sofistikatuaren beharrik izan ez duenak, agerian jartzen du historian zehar fotografiatua izan den guztiaren parte handi baten muina: fotografiaren eta denboraren arteko harreman estua. Roland Barthes parafraseatuz, modu erradikalagoan esanda: soilik heriotzak eta fotografiak geldiarazi dezakete denbora.
Eta hala da. Helburuak aurretik markatuta, aurrerapena baino azpimarratzen ez duen eta fotografia denboraren monopolioa bermatzeko baino baliatzen ez duen Historiari buruzko ikuspegi lineal baten aurrean, bada fotografia egiteko beste modu bat, beste bide batetik dabilena: hots eta ardailaren ondorengo isiltasuna entzuten dakienarena, itxaroteak berezko duen pazientzia bizi duenarena, solasten dakienarena, erlojuari zeharka begiratu gabe.
Eta horixe da hogeita hamalau argazki hauek eskaintzen digutena: haiei erreparatuta, aukera izango dugu denboraren pendulua, saihestu ezin dena iragartzen digun tiki-taka hori, une batez bada ere geldiarazteko.
Argazkietan, jende anonimoa ikusiko dugu, bakarrik dabilena; litekeena da jende hori bakartia ez izatea, ez baitakigu zer pentsatzen duen. Nolanahi ere, irudi horiek zer garen islatzen dute: izaki hauskor eta babesgabeak.
Giza figura batzuk ikusiko ditugu, paseatzen, forma eta koloreen artean; haiek ere bakarrik doaz leku batetik bestera, fotografiak erregistratzen dituen instan horietan barna, besteak ez bezala galduko ez diren horietan hain zuzen. 
Beste jende bat ikusiko dugu, halaber, bidaian bezala, gida turistikoek nahietaez ikustekoak jotzen dituzten lekuak bisitatzeko seguruenez. Galduta dirudite jendetza multzo lauso zehaztu gabean, baina giza aurpegia nabarmendu egiten da: anonimotasuna gailentzen da gu ezkutatzen gaituen anabasaren gainetik.
Argazkilarien aurpegi zehatzak ere ikusiko ditugu, fotografiarekiko urte luzeko lotura eta grina islatu nahi duten instant horietan hartuak. Erretratatuak isiltasuna entzuten du, eta ahots bat entzuten duela uste du, esaten diona: horrela ikusten zaitut nik; horrela adierazten dizut mirespena; horrela nahi dut ikus zaitzaten besteek, jada elkar ikusiko ez dugun geroan.
Lekuak ere ikusiko ditugu, industria-gune izandako zenbait leku hain zuzen, bertan gertatutako aldaketek eraberrituta. Gizakiak esku hartutako tokiak, orain naturak hartuta. Aipagarriena da prozesu horrek berak zizelkatu duela, haurtzaroan hasita, argazkilariaren beraren gizatasuna, Pessoak metaforikoki arimaren paisaia deitzen zuen hori. 
Eta zeruak eta hodeiak ere ikusiko ditugu. Etengabe aldatzen diren elementu horiek denonak dira, ez dute gure artekorik bereizten. Ikusmena dugun gizaki guztion eskura daude, bereizkeriarik gabe. Nahikoa da begirada altxatzea ortziaren aldakortasun sotila deskubritzeko, bai eta, aldi berean, gizakiok bizi gaituen misterioa sentitzeko ere.
Argazki hauek guztiek zenbait uneren irudiak finkatzen dituzte, gure bizitza-esperientziari galdetzen diote eta, ikusleak garen aldetik, behartu egin gaituzte bi alderdi horiek erlazionatu ditzagun, iraganaren eta etorkizunaren arteko zubi bihur ditzagun. Gauzen, denboraren jarraitutasunari erauzitako zer bat da argazkia, eta erauzitako horren isiltasunak bidea ematen dio interpretazioari: bilaketa, hausnarketa eragiten duen horrek beste ezerk ezin du gure ulerbidea zabaldu ahal.
 
Mikel Iriondo
Donostia, 2017ko urria
 
 
Mikel Iriondo (Eibar, 1955). Estetika eta Arte Teoriako irakasle titularra da Euskal Herriko Unibertsitatean. Haren aztergai nagusia da zer harreman dagoen Filosofiaren, Literaturaren eta Zinematografiaren artean. Zenbait liburu argitaratu ditu, beste egile batzuekin batera; bestalde, aldizkari espezializatuetarako artikulu ugari idatzi ditu, besteak beste, Contemporary Aesthetics, Daimon, Ausart, Laocoonte, Archipiélago, Enrahonar, Bitarte, Fabrikart, Recerca, eta Revista de Occidente aldizkarietarako.
MODOS DE VER
Toda fotografía supone establecer una distancia inevitable entre la realidad y su representación. Es ingenuo pensar, como ocurría en los inicios de la actividad fotográfica, que una instantánea refleja el mundo tal cual es. Sean lo que sean las cosas en sí mismas, nuestra capacidad de conocimiento se limita a nuestros sentidos, razón e imaginación. Configuramos así una experiencia del mundo que retroalimenta sin descanso dichas facultades.
Nuestras limitaciones nos hacen humanos o, dicho de otro modo, lo somos porque las tenemos. No hay conocimiento perfecto, sería absurdo por tautológico, y hemos de bregar entre dificultades y errores.
La fotografía no copia nada, no transparenta nada. Una foto escoge y aísla, insinúa desde su ambigüedad, utilizando lo visible para reinventar la realidad. Es ésta su dimensión creativa, mostrar un vestigio, un rastro de realidad sin un significado concreto. Propone un reto al espectador, pues tiene que apreciar lo que ahora ve confrontándolo con su experiencia. Así, como espectadores, tratamos de superar el desafío que la foto propone al arrancar un instante a la continuidad, confrontando esa ambigüedad nacida de la contraposición entre dos tiempos distintos: el registro de la foto y el momento de su contemplación.
De idéntica manera, quien fotografía ha de encontrar su camino, necesita pensar lo que busca, puesto que aquello que los ojos transmiten lo vemos con el cerebro. Vladimir Nabokov decía que no ven el mismo bosque un botánico y alguien por completo ajeno a esta disciplina. Donde el segundo ve solo árboles, el primero distingue y nombra a cada uno de ellos, asumiendo además lo mucho que ignora. Parece obvio.
Las fotos que aquí vemos son como la mirada de ese botánico, el resultado de años de experiencia con la fotografía, de una búsqueda creativa y estética. 
Los seis han disfrutado de años de trabajo con la cámara, frecuentando infinidad de fotos ajenas para atisbar un camino propio. Algo poco extendido en nuestros días, puesto que la tecnología ha sustituido en muchos casos al esfuerzo y el trabajo creativo. Se toman millones de fotos a diario, se utilizan sofisticadas cámaras, redes sociales y plataformas, pero el resultado fomenta la banalización ligada al frenesí y al consumo.
Decía John Berger que toda fotografía es una elección humana tomada en una situación determinada, la decisión de registrar algo que para aquel que fotografía merece la pena. 
Parece una consideración banal y evidente. Sin embargo, una definición tan sencilla, carente de elucubración sofisticada, muestra el alma de gran parte de lo fotografiado a lo largo de la historia: la íntima relación entre la fotografía y el tiempo. Dicho de un modo más radical y parafraseando a Roland Barthes: solo la muerte y la fotografía detienen el tiempo.
En efecto, frente a una comprensión lineal de la Historia que persigue fines, enfatiza el progreso y utiliza la fotografía para afianzar su monopolio del tiempo, existe una manera de fotografiar que transita por otros derroteros: aquella que escucha el silencio del mundo tras el estruendo, la que habita la paciencia de la espera, la que conversa sin mirar de reojo el minutero.
Tenemos hoy la fortuna de encontrarnos frente a treinta y cuatro fotos que nos permiten detener el péndulo, ese tic-tac que augura el sin remedio. 
Vemos a gentes anónimas en su soledad, quizás no solitarias, puesto que desconocemos sus pensamientos. En cualquier caso, reflejan lo que somos, seres frágiles e indefensos.
Ciertas personas pasean, entre formas y colores, y solas también, van de un lugar a otro transitando esos instantes que, sin perderse como tantos otros, la fotografía captura.
Otra gente viaja, visitando lugares seguramente señalados como ineludibles en las guías turísticas. Parecen perderse entre la multitud indefinida y borrosa, pero el rostro humano prevalece, lo anónimo se impone a la confusión que nos esconde.
Aparecen también rostros definidos, el de los propios fotógrafos, captados en ese instante que intenta reflejar años de amistad y pasión por la fotografía. Todo retratado escucha el silencio y en él cree oír una voz que dice: así te veo yo, así te muestro mi admiración, así quiero que te vean en ese futuro en el que ya no nos veremos.
Contemplamos también los lugares, restos industriales que con sus cambios han ido conformando nuevos entornos. Donde intervino el hombre, ahora se ha impuesto la naturaleza. Lo reseñable es que este proceso ha construido desde la infancia el perfil humano del fotógrafo, aquello que Pessoa definía metafóricamente como el paisaje del alma.
También aparecen cielos y nubes. Elementos cambiantes y que nos pertenecen a todos, por igual y sin distinción. Es de lo poco que todos los humanos dotados de visión compartimos sin desigualdad. Basta con alzar la mirada y descubrir, al mismo tiempo, la cambiante sutileza del firmamento y el misterio que nos constituye. 
Todas estas fotos fijan la apariencia de ciertos momentos, apelan a nuestra experiencia de vida, y nos obligan como espectadores a establecer relaciones, a dotarlas de un pasado y un futuro. Si una foto ha sido arrancada de la continuidad de las cosas, del tiempo, ese silencio detenido se abre a la interpretación, y solo aquello que es capaz de provocar la reflexión, la significación, permite que a la postre comprendamos.
 
 
Mikel Iriondo
Donostia, octubre 2017
 
 
 
Mikel Iriondo (Eibar, 1955). Profesor titular de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad del País Vasco. Sus intereses se centran en las relaciones entre Filosofía, Literatura y Cinematografía. Es autor de varios libros en colaboración con otros autores y de artículos en revistas como Contemporary Aesthetics, Daimon, Ausart, Laocoonte, Archipiélago, Enrahonar, Bitarte, Fabrikart, Recerca, Revista de Occidente, etc.
 
 
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Jan 08 2018 00:00:00 GMT
<![CDATA[INES URIBE. Rincones]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1511516265RINCONES

Rincones propone una realidad distinta a la natural, creando composiciones que puedan existir con independencia de las referencias visuales de las que parte: las del mundo urbano.

Al alejarnos de lo concreto, y poniendo el foco en los detalles formales, estructurales y cromáticos que nos ofrece la ciudad, nos percatamos del valor expresivo que emanan ciertos rincones. Por ello, el proceso creativo requiere de dos miradas: una mirada curiosa, investigadora; y otra estética, que componga imágenes nuevas a partir de la rigidez de los elementos arquitectónicos y del formato fotográfico.

El espacio no es una sucesión de puntos. Creamos el concepto punto en el instante en que queremos ubicar un objeto o un lugar. Nos es más que una posición en el espacio que puede ser detectado por sus coordenadas, un concepto útil para establecer la distancia que nos separa de otro punto. Una recta es una sucesión infinita de puntos contenidos en el espacio. Pero ninguno existe como tal, no ocupan espacio físico: son meros delimitadores. Todos estos elementos existen porque les damos una referencia con la ubicarse.

El objetivo de Rincones es conectar elementos entre sí, y establecer relaciones en principio inexistentes, dando fluidez y orden a la aparente rigidez y caos de la urbe. Deconstruir para reconstruir, o para ir más allá: para conectar las imágenes con capturas que ya tenemos grabadas en nuestro subconsciente.

La importancia de una actitud contemporánea radica precisamente en imaginar o partir de la realidad actual.

Inés Uribe

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Nov 24 2017 00:00:00 GMT
<![CDATA[FERNANDO MASELLI. Paisaia eraikitzea]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/exposiciones/exposicion.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nexposic=1509445360LA CONSTRUCCIÓN DEL PAISAJE

Exposición comisariada por  Elvira Rilova, programada en colaboración con Begira Photo. Una retrospectiva de Fernando Maselli que reúne diferentes series con un discurso expositivo común: el paisaje y su construcción formal y conceptual. Estas series,  –donde predomina la montaña como protagonista– indagan en la relación del artista con el medio natural y la expedición en la naturaleza como práctica artística. La muestra afronta la investigación desarrollada por el fotógrafo y su compromiso con una visión contemporánea del paisaje; desde sus primeros trabajos sobre la repetición digital como herramienta para la construcción de paisajes artificiales (Vistas Aéreas), el acercamiento desde la concepción ritual y simbólica del espacio natural (con la serie Hierofanías) o su investigación sobre el concepto de lo Sublime, en una revisitación de las expediciones científicas y artísticas del romanticismo (especialmente inspirándose en las figuras de Burke y Humboldt) que se ve reflejada en series como Volcanes, Anunciación e Infinito Artificial.

Infinito artificial

Abruptas cadenas montañosas, cuyas penumbra, profusión, profundidad y altura concurren en la consecución visual de lo que denominaríamos “lo sublime terrorífico”, aquello que provoca un vórtice que desestabiliza la ilusión de seguridad de nuestra reglada y ordenada cotidiana existencia.

Hierofanías

Captura imágenes en paisajes íntimamente relacionados con diversas tradiciones religiosas. Estas imágenes carecen tanto de presencia humana como de rastros de ella, y transmiten un halo de misterio y silencio.

Anunciación

La Anunciación es uno de los temas iconográficos más habituales en la historia del arte occidental; en esta serie Maselli se inspira en estas obras clásicas donde los cielos se abren en una majestuosa composición de volúmenes y colores, para dar paso al mensaje divino de la revelación. El resultado final se traduce en una serie compuesta por montajes fotográficos centrados en la investigación de nubes y cielos, donde el color y la luz son los principales protagonistas. 

Vistas aéreas

La fotografía aérea se asocia tradicionalmente a usos militares o científicos, y suelen despreciarse sus posibilidades estéticas. En esta serie se utiliza esta técnica fotográfica para mostrar grandes extensiones de tierra y poder ver en toda su magnitud el cambio que está realizando el hombre en su entorno y cómo el continuo desarrollo y progreso lo fuerza a buscar constantemente nuevos recursos a su alrededor y a tratar de modificar la naturaleza para adaptarla a sus necesidades.

Volcanes

Es un homenaje a aquellos viajeros, valientes expedicionarios, conectado con el Romanticismo. No fue sólo un movimiento estético, sino un horizonte mucho más amplio, vital e intelectual, cultural y científico, que renovó profundamente los modos de pensar y de sentir de su tiempo.

Fernando Maselli

(Buenos Aires, 1978).

Explora a través de sus proyectos artísticos los diferentes aspectos del formalismo, profundizando en la estética y el concepto como valores primordiales. En sus últimos trabajos se interesa especialmente la relación del hombre con la naturaleza virgen y el papel que esta juega en la concepción de ideas como la religiosidad o el conocimiento. El eje principal de su investigación gira en torno al concepto de lo sublime, el temor contenido ante la belleza de los paisajes abruptos y la majestuosidad ligada a la divinidad.

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Oct 31 2017 00:00:00 GMT
<![CDATA[Visitas guiadas]]>http://www.gipuzkoakomuseoak.net/museos/actividades/actividad.php?id=es&Nmuseo=1259069238&Nactivid=1268648635

Realizadas por el personal cualificado del museo, las visitas guiadas brindan una atención personalizada a los grupos escolares, familiares, colectivos empresariales o turísticos. Tanto el contenido como la duración de las mismas serán adecuadas a las características del grupo.

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Mar 15 2010 00:00:00 GMT